„Wenn du dir selbst Grenzen setzt, ebnet dir das den Weg“: Kurze Filmtipps von Ryan Connolly

My RØDE Reel ist zurück und größer denn je – mit einem unglaublichen Preisgeld von 1 Million US-Dollar sowie zahlreichen RØDE Mikrofonen, großartigem Filmequipment und weiteren Preisen der weltweit führenden Filmmarken.

Für die Teilnahme produzierst du einen 3-minütigen Kurzfilm (plus einen Blick-hinter-die-Kulissen-Film mit einem RØDE Produkt) und reichst ihn vor dem 7. Oktober ein. Abgesehen davon ist das Briefing völlig offen.

Im Folgenden teilt der Juror von My RØDE Reel und renommierte Filmemacher und Dozent Ryan Connolly seine Erkenntnisse zum Kurzfilmen und gibt Tipps zu allem – von der Erzeugung von Spannung in nur wenigen Minuten bis hin zum Wert von Grenzen. 

Ryan ist vor allem für seine lehrreiche Webserie Film Riot bekannt, die mit Themen rund um den gesamten Entstehungsprozess von Filmen über 1,6 Millionen Abonnenten gewonnen hat. Außerdem hat er 15 Kurzfilme geschrieben und inszeniert, darunter PROXiMITY, SENTiNEL, BALLiSTIC und zuletzt There Comes a Knocking. Insgesamt wurden seine Kurzfilme über 10 Millionen Mal angesehen. Derzeit entwickelt Ryan gemeinsam mit 3Arts Spielfilme.

Lerne unten vom Meister. 

Was ist das wirkungsvollste Element, um in deinen Kurzfilmen Spannung zu erzeugen?

Du musst dein Publikum mit den Figuren verbinden, um die es sich sorgen soll – wenn dir das nicht gelingt, wird diese Spannung nie entstehen. Wenn du eine Beziehung zwischen dem Publikum und dem Stoff aufbauen kannst, kannst du anfangen, mit diesen emotionalen Fäden zu spielen. Ich glaube, dass diese Idee für Komödien, Dramen oder jede andere emotionale Reaktion funktioniert, die du deinem Publikum entlocken möchtest.

Empathie spielt dabei eine enorme Rolle. Wenn sich die Zuschauer in die Situation deiner Figur oder in ihre Persönlichkeit hineinversetzen können, können sie sich selbst darin wiedererkennen. Dann kannst du wirklich etwas gestalten, das Spannung für dein Publikum aufbaut. Natürlich funktioniert das nicht bei jedem Zuschauer, da du durch deine ganz persönliche Perspektive erzählst – manche Menschen werden sich mit dieser Perspektive identifizieren, andere nicht … das liegt einfach in der Natur der Sache.

Wie holst du das Beste aus einem Projekt heraus, das klare Einschränkungen hat – sei es beim Budget, bei der Ausrüstung oder beim Team?

Das war bei jedem Projekt anders. Manche Projekte verfügten über eine angemessene Menge an Ressourcen, andere über absolut keine. Erst vor drei Kurzfilmen, im Jahr 2017, habe ich einen Film namens SENTiNEL gedreht, für den ich so gut wie keine Ressourcen hatte. Es war ein Kurzfilm mitten im Nirgendwo, von dem ich immer sage, dass er mich ein paar Sandwiches gekostet hat, und am Drehort waren, glaube ich, sechs oder sieben Leute. Es heißt einfach: „Das ist, was ich habe“ – also: Was kann ich mit dem machen, was mir zur Verfügung steht?

Und wenn du noch weiter zurückgehst: 2013 habe ich einen Kurzfilm namens PROXiMITY. gedreht. Er entstand, nachdem ein deutlich größerer Kurzfilm, den ich gerade plante, gescheitert war. Aus einem Projekt mit enorm vielen Ressourcen wurde eines mit null Ressourcen und etwa 300 US-Dollar. Ich hatte einen Drehort mitten im Nirgendwo … Also blieb mir nur die Frage: „Was kann ich mit dem machen, was ich habe?“

Wenn du keine Ressourcen hast, ist das ein sehr wichtiger Denkprozess. Wenn du Zugang zu einem Café hast, frag dich, welche Geschichte sich in diesem Café abspielen kann.

Selbst im Spielfilmbereich, wo ich derzeit Filme für sehr große Produktionsfirmen und Studios entwickle, ist es schwierig, eine konkrete Idee für die Entwicklung herauszuarbeiten, wenn dir ein vollständiges Universum an Möglichkeiten offensteht und es keinerlei Einschränkungen gibt, weil alles möglich ist. Wenn du dir selbst Grenzen setzt, beginnt sich ein Weg für dich herauszukristallisieren. Und vielleicht verändern sich diese Dinge mit der Zeit, vielleicht nimmt die ursprüngliche Idee eine andere Richtung und wird zu etwas völlig Neuem … Aber dir selbst Grenzen zu setzen, kann dich auf einen bestimmten Weg fokussieren, statt dass alles wie Murmeln wirkt, die über den ganzen Boden verstreut liegen.

Welche wichtige Lektion ist dir in deinen 15 Jahren als Filmemacher besonders im Gedächtnis geblieben?

Ich glaube, die wichtigste Lektion ist Zusammenarbeit – sich auf Zusammenarbeit einzulassen. Es hat eine Weile gedauert, bis ich das Selbstvertrauen hatte, mit anderen Menschen zusammenzuarbeiten. Ich glaube wirklich, dass mich genau das lange davon abgehalten hat. Anfangs kannte ich einfach niemanden. Ich habe ohne Kontakte allein Dinge produziert. Aber irgendwann gab es Menschen, an die ich mich wenden konnte. 

Ich glaube, es lag an mangelndem Vertrauen in meine eigenen Fähigkeiten, denn um wirklich mit jemandem zusammenzuarbeiten, musst du offenlegen, wie du Dinge machst. Du musst die andere Person in deinen Filmprozess hineinlassen. Dadurch kann sie hinter den Vorhang blicken – und du denkst: „Oh, sie werden mich für einen Pfuscher halten, sie werden auf meine Arbeitsweise herabschauen, ich kann nicht verbergen, wie viele Fehler ich mache oder wie wenig ich weiß.“

Aber man darf nicht vergessen, dass wir alle während des Prozesses ständig Fehler machen und keiner von uns vollständig weiß, was er tut. Der Schnitt rettet alle. Das liegt einfach in der Natur der Sache.

Wenn man sich schließlich auf Zusammenarbeit einlässt und sie aktiv annimmt, kann man Dinge erschaffen, die sonst nie entstanden wären. Sie öffnet die Türen zu neuen und besseren Ideen. Es ist eine großartige Möglichkeit, sich als Filmemacher weiterzubilden, weil man sich auf andere Stimmen und Talente einlässt, die dann die eigene Erfahrung und das eigene Können erweitern. 

Wie unterscheidest du gute von großartigen Ideen?

Das ist eine wirklich schwierige Frage, und ich bin mir nicht ganz sicher, ob man das überhaupt kann. Wenn du dir zum Beispiel die Entstehung von Jaws ansiehst – ein Thema, über das ich oft mit Freunden spreche – wussten Spielberg und sein Team während der Dreharbeiten, was sie da geschaffen hatten? Nach dem zu urteilen, was sie gesagt haben und wie die Produktion verlief, glaube ich nicht, dass ihnen bewusst war, dass sie ein absolutes Meisterwerk schufen, das ikonisch werden und bis heute Bestand haben würde.

Im Grunde geht es also darum, gute Ideen von schlechten zu unterscheiden – was ebenfalls schwierig ist, weil du selbst diejenige Person bist, die diese Idee entwickelt … Aber wie bei allem anderen hängt auch das meiner Meinung nach stark von Erfahrung ab. Je mehr du diese Fähigkeiten trainierst, desto leichter wird es, eine gute von einer schlechten Idee zu unterscheiden. Eine der besten Methoden für mich ist, jemandem diese Ideen persönlich vorzustellen, sie einfach laut auszusprechen. Noch bevor du die Reaktion auf die Idee hörst – ganz ähnlich wie wenn du jemandem deinen Schnitt zeigst – beginnst du, sie aus einer anderen Perspektive zu sehen. Wenn du deine Idee jemandem laut erklärst, erkennst du, wo es ihr an etwas fehlt. Du siehst, wo es logische Probleme gibt, wo sie etwas langweilig ist und was funktioniert und was nicht. Das hilft mir definitiv dabei herauszufinden, wo eine gute und wo eine schlechte Idee steckt …

Dieses Feedback zu bekommen, ist wirklich entscheidend – und natürlich solltest du Dingen folgen, für die du brennst. Denn vielleicht sind die Idee und die Art, wie du sie gerade formulierst, noch nicht großartig, aber da ist etwas. Da steckt ein Kern von etwas wirklich Coolem, das dich nicht loslässt und für das du Leidenschaft empfindest – bleib einfach dran. Wenn du etwas nicht aus dem Kopf bekommst, lohnt es sich wahrscheinlich, weiter daran zu arbeiten. Oft liegt unter all dieser Kohle ein Diamant, den du nur freilegen musst, und das gelingt durch viel Ausprobieren und viele Fehler.

Warum zieht es dich bei deinen Kurzfilmen zum Action- und Science-Fiction-Genre? Gibt es einen Grund, warum diese Stilrichtungen deiner Meinung nach zum Format passen?

Wenn ich eine Idee oder Geschichte entwickle, denke ich eigentlich nicht in Genres. Meistens geht etwas von einer Figur, einem Moment, einem bestimmten Konzept oder einem Thema aus, und daraus entwickelt sich alles Weitere. Der Kern der Idee entsteht jedes Mal anders, aber es sind die Idee und die Geschichte, die über das Genre entscheiden.

Für mich ist es also das Projekt selbst, das das Genre bestimmt, nicht umgekehrt. Ich glaube nicht, dass ein bestimmtes Genre grundsätzlich am besten für das Kurzfilmformat geeignet ist. Wenn du allerdings ein Proof of Concept für deinen ersten Spielfilm entwickeln möchtest, gibt es natürlich Genres, die als Regiedebüt einen anderen oder leichteren Zugang zur Welt des Spielfilms bieten, etwa Horror. Abgesehen davon wird es nie wirklich vom Genre vorgegeben. Die einzige Ausnahme ist, wenn ich in einem bestimmten Bereich Erfahrung sammeln möchte … denn letztlich ist das Ziel der Spielfilm.

Einreichungen für My RØDE Reel sind jetzt möglich und enden am Mittwoch, dem 7. Oktober – also fangt an zu drehen! Besucht myrodereel.com, um mehr zu erfahren und euer Starterpaket herunterzuladen