«Se ti imponi dei limiti, ti aprirai una strada»: brevi consigli per fare cinema da Ryan Connolly

My RØDE Reel è tornato, più grande che mai, con un montepremi di ben 1 milione di dollari in contanti, oltre a tantissimi RØDE microfoni, straordinaria attrezzatura cinematografica e altri premi offerti dai principali brand mondiali del settore.

Per partecipare, realizza un cortometraggio di 3 minuti (più un filmato dietro le quinte con un RØDE prodotto) e invialo entro il 7 ottobre. Per il resto, il brief è completamente libero.

Di seguito, il giudice di My RØDE Reel e illustre filmmaker ed educatore Ryan Connolly condivide la sua esperienza sul cinema breve, offrendo consigli su tutto: dalla creazione della tensione in pochi minuti al valore dei limiti.

Ryan è noto soprattutto per la sua serie web educativa Film Riot, che ha superato 1,6 milioni di iscritti trattando ogni aspetto del processo cinematografico. Ha inoltre scritto e diretto 15 cortometraggi, tra cui PROXiMITY, SENTiNEL, BALLiSTIC e, più recentemente, There Comes a Knocking. Complessivamente, i suoi cortometraggi hanno totalizzato oltre 10 milioni di visualizzazioni. Attualmente Ryan collabora con 3Arts allo sviluppo di lungometraggi.

Impara dal maestro qui sotto.

Qual è l'elemento più potente per creare tensione nei tuoi cortometraggi?

Devi creare un legame tra il pubblico e i personaggi per i quali vuoi che si preoccupi: se non ci riesci, la tensione non arriverà mai. Se riesci a costruire una relazione tra il pubblico e il materiale, puoi iniziare a giocare con quelle corde emotive. Penso che questa idea funzioni allo stesso modo per la commedia, il dramma o qualsiasi altra reazione emotiva tu voglia suscitare nel pubblico.

L'empatia è un fattore fondamentale: se il pubblico riesce a immedesimarsi nella situazione del tuo personaggio o in ciò che è, può riconoscersi in essa e allora puoi davvero creare qualcosa capace di sviluppare quella tensione. Naturalmente non funzionerà per ogni spettatore, perché stai dipingendo attraverso la tua lente personale: alcune persone si riconosceranno in quella lente, altre no… è semplicemente la natura delle cose.

Come sfrutti al meglio un progetto che presenta limiti evidenti, che si tratti di fondi, attrezzatura o troupe?

È stato diverso per ogni progetto. Alcuni hanno avuto una discreta quantità di risorse, altri non ne hanno avuta assolutamente nessuna. Solo tre cortometraggi fa, nel 2017, ho realizzato un film intitolato SENTiNEL che non aveva praticamente alcuna risorsa. Era semplicemente un cortometraggio ambientato in mezzo al nulla, che mi piace dire essere costato qualche panino, con una troupe di sei o sette persone sul set. È semplicemente: «Ecco quello che ho», quindi cosa posso realizzare con quello che ho?

E se torniamo ancora più indietro, nel 2013, ho realizzato un cortometraggio intitolato PROXiMITY. È nato dopo che un cortometraggio molto più ambizioso che stavo preparando è saltato. Sono passato dal realizzare qualcosa con un'enorme quantità di risorse a zero risorse e circa 300 dollari. Avevo una location in mezzo al nulla… Quindi mi sono ritrovato a pensare: «Cosa potrei realizzare con quello che ho?»

Se non hai risorse, questo processo mentale è molto importante. Se hai accesso a un bar, chiediti quale storia può svolgersi all'interno di quel bar.

Anche nel mondo dei lungometraggi, mentre sviluppo film per case di produzione e studi molto grandi, se hai un universo completo di possibilità, senza alcuna restrizione, è molto difficile concentrarsi su un'idea specifica da sviluppare, perché tutto è possibile. Se inizi a imporsi dei limiti, comincerai a delineare una strada da percorrere. E forse queste cose cambieranno nel tempo, e forse quell'idea iniziale prenderà una curva e diventerà qualcosa di completamente diverso… Ma imporsi dei limiti può aiutarti a concentrarti su un percorso specifico, invece di avere la sensazione di essere davanti a biglie sparse per tutto il pavimento.

Qual è una lezione importante che ti è rimasta dopo 15 anni di cinema?

Penso che la lezione principale sia la collaborazione, lasciarsi coinvolgere dalla collaborazione. Mi ci è voluto un po' per avere la sicurezza necessaria a collaborare con altre persone. Credo davvero che sia questo ad avermi impedito di collaborare per parecchio tempo. All'inizio era perché non conoscevo nessuno. Realizzavo tutto da solo, senza contatti. Ma alla fine c'erano persone a cui potevo rivolgermi.

Penso fosse dovuto alla mancanza di fiducia nelle mie capacità, perché per collaborare davvero con qualcuno devi essere aperto sul modo in cui lavori. Devi lasciarlo entrare nel processo cinematografico insieme a te. Questo gli permette di guardare dietro le quinte, e tu pensi: «Oh, penserà che sono un impostore, giudicherà negativamente il mio modo di lavorare, non potrò nascondere quanto spesso sbaglio o quanto poco ne so».

Ma non ci si rende conto che tutti noi sbagliamo continuamente durante il processo e che nessuno sa davvero fino in fondo cosa sta facendo. Il montaggio salva tutti. È semplicemente la natura del mestiere.

Quando finalmente accetti la collaborazione e ti lasci coinvolgere, puoi creare cose che altrimenti non avresti mai realizzato. Ti apre le porte a idee nuove e migliori. È un ottimo modo per formarti come filmmaker, perché ti confronti con altre voci e altri talenti che arricchiranno la tua esperienza e le tue capacità.

Come distingui le tue buone idee da quelle straordinarie?

È una domanda davvero difficile e non sono del tutto sicuro che sia possibile. Per esempio, se torni a guardare la realizzazione di Jaws, una conversazione che ho spesso con gli amici: Spielberg e il suo team sapevano cosa avevano tra le mani mentre lo realizzavano? In base alle cose che hanno detto e a come è andata la produzione, non credo sapessero di stare creando un capolavoro assoluto, destinato a diventare iconico e a resistere al tempo fino a oggi.

Quindi, in realtà, si tratta di distinguere le buone idee da quelle cattive, cosa altrettanto difficile perché sei tu a concepire quell'idea… Ma, come per tutto il resto, penso che dipenda molto dall'esperienza. Più alleni quei muscoli, più diventa facile riconoscere una buona idea da una cattiva. Uno dei modi migliori per me è presentare quelle idee a qualcuno di persona: dirle semplicemente ad alta voce, persino prima di ascoltare la sua reazione (molto simile a mostrare a qualcuno il tuo montaggio), ti permette di iniziare a vederle in modo diverso. Quando esponi la tua idea ad alta voce a qualcuno, ti rendi conto di dove è carente. Vedi dove ci sono problemi di logica, dove è un po' noiosa, cosa funziona e cosa no. Questo mi aiuta sicuramente a capire dove c'è una buona idea e dove ce n'è una cattiva…

Ricevere questo feedback è davvero fondamentale, così come seguire ciò che ti appassiona, perché forse l'idea e il modo in cui la stai articolando in questo momento non sono eccezionali, ma c'è qualcosa. C'è il nucleo di qualcosa di davvero interessante, qualcosa che ti è rimasto dentro e che ti appassiona: continua a inseguirlo. Se è qualcosa che non riesci a toglierti dalla testa, probabilmente vale la pena continuare a lavorarci. Spesso sotto tutto questo carbone c'è un diamante che devi solo riuscire a liberare, e questo richiede molti tentativi ed errori.

Perché ti orienti verso i generi action e fantascientifico per i tuoi cortometraggi? Pensi che ci sia un motivo per cui questi stili si adattino al formato?

Quando concepisco un'idea o una storia, non penso davvero in termini di genere. Di solito tutto nasce da un personaggio, un momento, un concetto specifico o un tema, e poi ogni cosa si sviluppa a partire da lì. Il nucleo dell'idea nasce ogni volta in modo diverso, ma sono l'idea e la storia a determinarne il genere.

Per me, quindi, è il progetto stesso a decidere il genere, non il contrario. Non credo che esista un genere più adatto di altri al formato breve. Tuttavia, se stai cercando di creare un proof of concept per il tuo primo lungometraggio, naturalmente ci sono generi che rappresentano percorsi diversi o più semplici per entrare nel mondo dei lungometraggi come regista esordiente, come l'horror. Ma a parte questo, il genere non è mai ciò che detta le scelte. L'unica volta in cui è successo è stato quando cercavo di fare esperienza in un determinato ambito… perché, in definitiva, l'obiettivo finale è il lungometraggio.

Le iscrizioni a My RØDE Reel sono aperte e si chiuderanno mercoledì 7 ottobre, quindi mettiti a girare! Vai su myrodereel.com per saperne di più e scaricare il tuo starter pack