«Si te impones limitaciones, te abrirán un camino»: consejos para hacer cortometrajes de Ryan Connolly

My RØDE Reel ha vuelto y es más grande que nunca, con la posibilidad de ganar la increíble suma de 1 millón de dólares en efectivo, además de montones de RØDE micrófonos, fantásticos equipos de filmación y otros premios de las principales marcas de cine del mundo.

Para participar, crea un cortometraje de 3 minutos (además de un vídeo entre bastidores en el que aparezca un RØDE producto) y envíalo antes del 7 de octubre. Aparte de eso, el briefing es totalmente abierto.

A continuación, el juez de My RØDE Reel y destacado cineasta y educador Ryan Connolly comparte sus conocimientos sobre la realización de cortometrajes, con consejos sobre todo tipo de aspectos, desde crear tensión en tan solo unos minutos hasta las ventajas de las limitaciones. 

Ryan es conocido sobre todo por su serie web educativa Film Riot, que ha conseguido más de 1,6 millones de suscriptores y aborda todo lo relacionado con el proceso de realización cinematográfica. También ha escrito y dirigido 15 cortometrajes, entre ellos PROXiMITY, SENTiNEL, BALLiSTIC y, más recientemente, There Comes a Knocking. En conjunto, sus cortometrajes han acumulado más de 10 millones de visualizaciones. Actualmente, Ryan trabaja con 3Arts en el desarrollo de largometrajes.

Aprende del maestro a continuación. 

¿Cuál es el elemento más poderoso para crear tensión en tus cortometrajes?

Tienes que conectar al público con los personajes por los que quieres que se preocupe; si no lo haces, esa tensión nunca llegará. Si puedes crear una relación entre el público y el material, entonces puedes empezar a tocar esas fibras emocionales. Creo que esa idea funciona igual con la comedia, el drama o cualquier otra reacción emocional que quieras provocar en tu público.

La empatía es un factor enorme en esto: si pueden empatizar con la situación de tu personaje o con quién es, pueden verse reflejados en ella, y entonces puedes crear algo que genere esa tensión en el público. Por supuesto, no funcionará con todos los espectadores, ya que estás pintando a través de tu propia perspectiva; algunas personas conectarán con ella y otras no… así es la naturaleza de todo esto.

¿Cómo aprovechas al máximo un proyecto que tiene limitaciones claras, ya sea en cuanto a presupuesto, equipo o equipo humano?

Ha sido diferente con cada proyecto. Algunos han contado con una cantidad razonable de recursos y otros no han tenido absolutamente ninguno. Hace tan solo tres cortometrajes, en 2017, hice una película llamada SENTiNEL que prácticamente no tenía recursos. Era un cortometraje ambientado en medio de la nada que, como me gusta decir, me costó unos sándwiches, y en el rodaje éramos seis o siete personas. Es simplemente «esto es lo que tengo», así que ¿qué puedo hacer con lo que tengo?

Y si retrocedes aún más, en 2013 hice un cortometraje llamado PROXiMITY. Surgió después de que se viniera abajo un cortometraje mucho más grande que estaba preparando. Pasé de hacer algo con una enorme cantidad de recursos a no tener ninguno y contar con unos 300 dólares. Tenía una localización en medio de la nada… Así que me quedé pensando: «¿qué puedo hacer con lo que tengo?»

Si no tienes recursos, ese proceso mental es muy importante. Si tienes acceso a una cafetería, pregúntate qué historia puede desarrollarse dentro de esa cafetería.

Incluso en el ámbito de los largometrajes, ahora que desarrollo películas para grandes productoras y estudios, si tienes un universo completo de posibilidades, si no hay ninguna restricción, es muy difícil centrarse en una idea concreta para desarrollarla, porque todo es posible. Si empiezas a imponerte limitaciones, empezarás a despejar un camino por el que avanzar. Y quizá esas cosas cambien con el tiempo, y quizá esa idea inicial tome otra dirección y se convierta en algo completamente distinto… Pero imponerte limitaciones puede ayudarte a concentrarte en un camino concreto, en lugar de sentir que son canicas esparcidas por todo el suelo.

¿Cuál es una lección importante que se te ha quedado grabada durante tus 15 años de cine?

Creo que la lección principal es la colaboración, apostar por colaborar. Me llevó un tiempo tener la confianza necesaria para colaborar con otras personas. De verdad creo que eso fue lo que me impidió colaborar durante bastante tiempo. Al principio era porque no conocía a nadie. Hacía las cosas por mi cuenta, sin contactos. Pero con el tiempo aparecieron personas a las que podía recurrir. 

Creo que se debía a una falta de confianza en mis propias capacidades, porque para colaborar de verdad con alguien tienes que mostrarte tal como haces las cosas. Tienes que dejar que esa persona entre contigo en el proceso de realización cinematográfica. Eso le permite mirar detrás del telón, y tú piensas: «oh, va a pensar que soy un farsante, va a menospreciar mi forma de hacer las cosas, no podré ocultar cuánto meto la pata o cuánto desconozco».

Pero no nos damos cuenta de que todos metemos la pata constantemente durante el proceso y de que ninguno sabe del todo lo que está haciendo. El montaje salva a todo el mundo. Así es la naturaleza de este oficio.

Cuando por fin consigues colaborar y te implicas en ello, puedes crear cosas que de otro modo nunca habrías creado. Abre las puertas a ideas nuevas y mejores. Es una forma fantástica de formarte como cineasta, porque te nutres de otras voces y otros talentos que harán crecer tu experiencia y tu talento. 

¿Cómo distingues tus buenas ideas de las excelentes?

Es una pregunta muy difícil y no estoy del todo seguro de que se pueda. Por ejemplo, si vuelves a ver cómo se hizo Jaws, una conversación que tengo a menudo con mis amigos: ¿sabían Spielberg y su equipo lo que tenían entre manos mientras la hacían? Por lo que dijeron y por cómo transcurrió la producción, no creo que supieran que estaban creando una obra maestra absoluta que se convertiría en un icono y seguiría vigente hasta hoy.

Así que, en realidad, se trata de cómo separar las buenas ideas de las malas, lo cual también es difícil porque eres tú quien está ideando eso… Pero, como todo lo demás, creo que depende mucho de la experiencia. Cuanto más ejercitas esos músculos, más fácil resulta reconocer una buena idea frente a una mala. Una de las mejores formas que tengo de hacerlo es presentar esas ideas a alguien en persona; simplemente decirlas en voz alta, incluso antes de escuchar su reacción (muy parecido a enseñarle a alguien tu montaje), hace que empieces a verlas de otra manera. Cuando dices tu idea en voz alta a alguien, te das cuenta de dónde falla. Ves dónde hay problemas de lógica, dónde resulta algo aburrida y qué funciona y qué no. Eso definitivamente me ayuda a descubrir dónde hay una buena idea y dónde hay una mala…

Obtener esa opinión es realmente crucial, y por supuesto también lo es seguir aquello que te apasiona, porque quizá la idea y la forma en que la estás expresando ahora mismo no sean excelentes, pero hay algo ahí. Hay una semilla de algo realmente interesante, algo que se te ha quedado grabado y que te apasiona; sigue persiguiéndolo. Si es algo que no puedes sacarte de la cabeza, probablemente merezca la pena seguir intentándolo. Muchas veces hay un diamante bajo todo este carbón que solo tienes que atravesar, y eso requiere mucho ensayo y error.

¿Por qué te inclinas por los géneros de acción y ciencia ficción para tus cortometrajes? ¿Crees que hay alguna razón por la que estos estilos encajen con el formato?

En realidad no pienso en términos de género cuando se me ocurre una idea o una historia. Normalmente surge de un personaje, un momento, un concepto concreto o un tema, y después todo evoluciona a partir de ahí. La semilla de la idea empieza de una forma distinta cada vez, pero son esa idea y esa historia las que determinan su género.

Así que, para mí, es el propio proyecto el que decide el género, y no al revés. No creo que haya un género que funcione mejor que los demás en el formato corto. Aunque, si intentas crear una prueba de concepto para tu primer largometraje, por supuesto hay géneros que ofrecen caminos distintos o más sencillos para entrar en el mundo del largometraje como director novel, como el terror. Pero, aparte de eso, el género nunca ha sido lo que dicta el proyecto. La única vez que lo ha hecho ha sido cuando intento adquirir experiencia en un área concreta… ya que, en última instancia, el objetivo final es hacer largometrajes.

Las inscripciones para My RØDE Reel ya están abiertas y se cierran el miércoles 7 de octubre, ¡así que ponte a filmar! Visita myrodereel.com para obtener más información y descargar tu kit de inicio