"Se você impuser limitações a si mesmo, isso vai abrir um caminho para você": dicas de Ryan Connolly para fazer curtas-metragens

My RØDE Reel está de volta e maior do que nunca, com um prêmio monumental de US$ 1 milhão em dinheiro, além de muitos RØDE microfones, equipamentos incríveis para produção cinematográfica e outros prêmios das principais marcas de cinema do mundo.

Para participar, faça um curta-metragem de 3 minutos (além de um vídeo de bastidores apresentando um RØDE produto) e envie-o antes de 7 de outubro. Fora isso, o briefing é totalmente aberto.

A seguir, o jurado do My RØDE Reel e renomado cineasta e educador Ryan Connolly compartilha sua sabedoria sobre a produção de curtas-metragens, com dicas sobre tudo, desde criar tensão em apenas alguns minutos até o valor das limitações. 

Ryan é mais conhecido por sua série educativa na internet Film Riot, que conquistou mais de 1,6 milhão de inscritos abordando tudo relacionado ao processo de produção cinematográfica. Ele também escreveu e dirigiu 15 curtas-metragens, incluindo PROXiMITY, SENTiNEL, BALLiSTIC e, mais recentemente, There Comes a Knocking. Juntos, seus curtas-metragens já acumularam mais de 10 milhões de visualizações. Atualmente, Ryan trabalha com a 3Arts no desenvolvimento de longas-metragens.

Aprenda com o mestre abaixo. 

Qual é o elemento mais poderoso para criar tensão em seus curtas-metragens?

Você precisa conectar o público aos personagens pelos quais quer que ele se preocupe – se não fizer isso, a tensão nunca surgirá. Se conseguir construir uma relação entre o público e o material, poderá começar a trabalhar com essas emoções. Acho que essa ideia funciona da mesma forma para comédia, drama ou qualquer reação emocional que você queira provocar no público.

A empatia é um fator enorme nisso. Se o público conseguir se identificar com a situação ou com a personalidade do seu personagem, poderá se enxergar nela; então você poderá criar algo que desenvolva essa tensão para o público. É claro que isso não funcionará para todos os espectadores, já que você está pintando através da sua própria lente pessoal – algumas pessoas se identificarão com essa lente e outras não… essa é simplesmente a natureza do processo.

Como aproveitar ao máximo um projeto que tem limitações claras, seja no acesso a recursos financeiros, equipamentos ou equipe?

Foi diferente em cada projeto. Alguns tiveram uma quantidade razoável de recursos; outros não tiveram absolutamente recurso algum. Apenas três curtas atrás, em 2017, fiz um filme chamado SENTiNEL que praticamente não tinha recurso nenhum. Era um curta ambientado no meio do nada que, como gosto de dizer, me custou apenas alguns sanduíches, com seis ou sete pessoas no local. É simplesmente: “é isso que eu tenho”; então, o que posso fazer com o que tenho?

E, se voltarmos ainda mais, em 2013, fiz um curta chamado PROXiMITY. Ele surgiu depois que um curta muito maior que eu estava produzindo não deu certo. Passei de fazer algo com uma enorme quantidade de recursos para zero recursos e cerca de US$ 300. Eu tinha uma locação no meio do nada… Então isso me fez pensar: “o que eu poderia fazer com o que tenho?”

Se você não tem recursos, esse é um processo de reflexão muito importante. Se tiver acesso a uma cafeteria, pergunte a si mesmo que história pode acontecer dentro dela.

Mesmo no universo dos longas-metragens, desenvolvendo atualmente filmes para grandes produtoras e estúdios, se você tem um universo completo de possibilidades, sem absolutamente nenhuma restrição, é muito difícil se concentrar em uma ideia específica para desenvolver, porque tudo é possível. Se você começar a impor limitações a si mesmo, começará a abrir um caminho para seguir. E talvez essas coisas mudem com o tempo, e talvez a ideia inicial faça uma curva e se transforme em algo completamente diferente… Mas impor limitações a si mesmo pode direcioná-lo para um caminho específico, em vez de fazer tudo parecer bolinhas de gude espalhadas pelo chão.

Qual é uma lição importante que permaneceu com você ao longo dos seus 15 anos de produção cinematográfica?

Acho que a principal lição é a colaboração, abraçar a colaboração. Demorei um pouco para ter confiança suficiente para colaborar com outras pessoas. Realmente acho que foi isso que me impediu de colaborar por bastante tempo. No início, eu não conhecia ninguém. Fazia as coisas sozinho, sem contatos. Mas, com o tempo, surgiram pessoas a quem eu podia recorrer. 

Acho que isso acontecia por falta de confiança na minha própria capacidade, porque, para colaborar de verdade com alguém, você precisa ser aberto sobre como faz as coisas. Precisa permitir que essa pessoa entre no processo de produção cinematográfica com você. Isso permite que ela veja o que acontece nos bastidores – e você pensa: “ah, ela vai achar que sou uma fraude, vai menosprezar a forma como faço as coisas, não vou conseguir esconder o quanto erro ou o quanto não sei”.

Mas não percebemos que todos nós erramos constantemente durante o processo e que nenhum de nós sabe completamente o que está fazendo. A edição salva todo mundo. Essa é simplesmente a natureza do processo.

Finalmente abraçar a colaboração permite criar coisas que você jamais criaria de outra forma. Ela abre portas para ideias novas e melhores. É uma ótima maneira de se educar como cineasta, porque você se apoia em outras vozes e outros talentos, que então desenvolvem sua experiência e seu talento. 

Como você separa suas boas ideias das excelentes?

Essa é uma pergunta realmente difícil, e não tenho certeza de que seja possível. Por exemplo, se você voltar e assistir ao making of de Jaws, uma conversa que tenho muito com meus amigos – Spielberg e sua equipe sabiam o que tinham em mãos enquanto faziam o filme? Com base no que disseram e em como a produção aconteceu, não acho que soubessem que estavam fazendo uma obra-prima absoluta, que se tornaria icônica e continuaria relevante até hoje.

Então, na verdade, trata-se de separar boas ideias das ruins, o que também é difícil, porque é você quem está tendo aquela ideia… Mas, como tudo na vida, acho que isso depende muito da experiência. Quanto mais você exercita esses músculos, mais fácil fica reconhecer uma boa ideia e uma ideia ruim. Uma das melhores maneiras para mim é apresentar essas ideias pessoalmente a alguém, simplesmente dizendo-as em voz alta. Mesmo antes de ouvir a reação dessa pessoa à ideia (de forma muito semelhante a mostrar sua edição a alguém), você começa a enxergá-la de outra maneira. Quando diz sua ideia em voz alta para alguém, percebe onde ela está deficiente. Vê onde há problemas de lógica, onde ela é um pouco entediante e o que está funcionando ou não. Isso definitivamente me ajuda a descobrir onde há uma boa ideia e onde há uma ruim…

Obter esse feedback é realmente crucial – e, é claro, seguir aquilo pelo que você é apaixonado, porque talvez a ideia e a forma como você a está articulando agora não sejam excelentes, mas há algo ali. Existe um núcleo de algo realmente interessante, que ficou com você e pelo qual você é apaixonado – continue perseguindo isso. Se é algo que você não consegue tirar da cabeça, provavelmente vale a pena continuar tentando. Muitas vezes, há um diamante sob todo esse carvão; você só precisa atravessá-lo, e isso vem com muita tentativa e erro.

Por que você tende a escolher os gêneros de ação e ficção científica para seus curtas-metragens? Há algum motivo para achar que esses estilos se adaptam ao formato?

Eu realmente não penso em termos de gênero quando tenho uma ideia ou uma história. Normalmente, algo surge de um personagem, de um momento, de um conceito específico ou de um tema, e então tudo evolui a partir disso. O núcleo da ideia começa de uma forma diferente todas as vezes, mas é essa ideia e essa história que determinam seu gênero.

Para mim, é o próprio projeto que determina o gênero, e não o contrário. Não acho que exista um gênero que funcione melhor para o formato de curta-metragem. Porém, se você está tentando criar uma prova de conceito para seu primeiro longa, é claro que há gêneros que oferecem caminhos diferentes ou mais fáceis para entrar no universo dos longas como diretor estreante, como o terror. Fora isso, o gênero nunca é realmente o fator determinante. A única ocasião em que isso aconteceu foi quando tentei adquirir experiência em uma área específica… já que, no fim das contas, o objetivo final é fazer um longa-metragem.

As inscrições para o My RØDE Reel estão abertas e se encerram na quarta-feira, 7 de outubro, então comece a filmar! Acesse myrodereel.com para saber mais e baixar seu kit inicial