« Si vous vous imposez des limites, cela vous ouvrira une voie » : conseils de Ryan Connolly pour réaliser des courts métrages
My RØDE Reel est de retour, plus grand que jamais, avec un million de dollars en espèces à gagner, ainsi qu’une multitude de RØDE microphones, du matériel de tournage exceptionnel et d’autres prix offerts par les plus grandes marques du cinéma.
Pour participer, réalisez un court métrage de 3 minutes (ainsi qu’un film des coulisses mettant en scène un RØDE produit) et envoyez-le avant le 7 octobre. Pour le reste, le brief est totalement libre.
Ci-dessous, le membre du jury de My RØDE Reel et éminent réalisateur et formateur Ryan Connolly partage ses conseils sur la réalisation de courts métrages, de la création de tension en seulement quelques minutes à l’intérêt des contraintes.
Ryan est surtout connu pour sa série web pédagogique Film Riot, qui compte plus de 1,6 million d’abonnés et couvre tous les aspects du processus de réalisation. Il a également écrit et réalisé 15 courts métrages, dont PROXiMITY, SENTiNEL, BALLiSTIC et, plus récemment, There Comes a Knocking. Au total, ses courts métrages ont cumulé plus de 10 millions de vues. Ryan travaille actuellement avec 3Arts au développement de longs métrages.
Découvrez les conseils du maître ci-dessous.
Quel est l’élément le plus puissant pour créer de la tension dans vos courts métrages ?
Vous devez faire en sorte que votre public s’attache aux personnages pour lesquels vous voulez qu’il s’inquiète – sinon, la tension ne viendra jamais. Si vous parvenez à créer un lien entre le public et le récit, vous pouvez alors commencer à jouer sur les émotions. Je pense que cela fonctionne de la même manière pour la comédie, le drame ou toute autre réaction émotionnelle que vous cherchez à susciter chez votre public.
L’empathie joue un rôle essentiel. Si le public peut comprendre la situation de votre personnage ou s’identifier à lui, il peut se reconnaître dans ce qu’il vit. Vous pouvez alors réellement construire quelque chose qui créera cette tension pour votre public. Bien sûr, cela ne fonctionnera pas pour chaque spectateur, puisque vous exprimez votre vision personnelle – certaines personnes s’y reconnaîtront et d’autres non… c’est simplement la nature des choses.
Comment tirer le meilleur parti d’un projet soumis à des contraintes évidentes, qu’il s’agisse du budget, du matériel ou de l’équipe ?
Cela a été différent pour chaque projet. Certains disposaient de ressources convenables, d’autres n’en avaient absolument aucune. Il y a seulement trois courts métrages, en 2017, j’ai réalisé un film intitulé SENTiNEL qui n’avait pratiquement aucune ressource. C’était un court métrage tourné au milieu de nulle part, qui, comme j’aime à le dire, m’a coûté quelques sandwiches, avec six ou sept personnes sur le lieu de tournage. C’est simplement « voilà ce que j’ai » : que puis-je faire avec ce dont je dispose ?
Et si vous remontez encore plus loin, en 2013, j’ai réalisé un court métrage intitulé PROXiMITY. Celui-ci est né après l’abandon d’un court métrage beaucoup plus ambitieux que je préparais. Je suis passé d’un projet disposant d’énormément de ressources à zéro ressource et environ 300 dollars. J’avais un lieu de tournage au milieu de nulle part… Je me suis donc demandé : « que puis-je faire avec ce dont je dispose ? »
Si vous n’avez aucune ressource, c’est une réflexion très importante. Si vous avez accès à un café, demandez-vous quelle histoire peut s’y dérouler.
Même dans le domaine du long métrage, alors que je développe actuellement des films pour de très grandes sociétés de production et des studios, si vous avez un univers complet de possibilités, sans aucune restriction, il est très difficile de vous concentrer sur une idée précise à développer, car tout est possible. Si vous commencez à vous imposer des limites, elles commenceront à vous ouvrir une voie à suivre. Et peut-être que ces éléments évolueront avec le temps, que cette idée initiale prendra un virage et deviendra quelque chose de totalement différent… Mais vous imposer des limites peut vous concentrer sur une voie précise, au lieu de vous donner l’impression que des billes sont éparpillées partout sur le sol.
Quelle leçon importante vous a accompagné pendant vos 15 années de réalisation ?
Je pense que la leçon principale est la collaboration, le fait de s’y investir pleinement. Il m’a fallu du temps pour avoir suffisamment confiance en moi pour collaborer avec d’autres personnes. Je pense vraiment que c’est ce qui m’a empêché de collaborer pendant longtemps. Au début, je ne connaissais personne. Je réalisais des projets seul, sans aucun contact. Mais finalement, j’ai eu des personnes vers qui me tourner.
Je pense que cela venait d’un manque de confiance en mes propres capacités, car pour vraiment collaborer avec quelqu’un, il faut être transparent sur sa manière de travailler. Il faut le laisser entrer dans votre processus de réalisation. Cela lui permet de regarder derrière le rideau – et vous vous dites : « oh, il va penser que je suis un amateur, il va mépriser ma façon de faire, je ne pourrai pas cacher toutes mes erreurs ni tout ce que j’ignore. »
Mais il faut comprendre que nous faisons tous constamment des erreurs au cours du processus et qu’aucun de nous ne sait exactement ce qu’il fait. Le montage sauve tout le monde. C’est simplement la nature du métier.
Enfin, accepter la collaboration et s’y investir permet de créer des choses que vous n’auriez jamais pu créer autrement. Cela ouvre la porte à des idées nouvelles et meilleures. C’est une excellente façon de vous former en tant que réalisateur, car vous vous nourrissez d’autres voix et d’autres talents, qui enrichiront ensuite votre expérience et votre savoir-faire.
Comment distinguez-vous vos bonnes idées de vos excellentes idées ?
C’est une question très difficile et je ne suis pas certain que ce soit vraiment possible. Prenez par exemple la réalisation de Jaws, une conversation que j’ai souvent avec mes amis : Spielberg et son équipe savaient-ils ce qu’ils avaient entre les mains pendant le tournage ? D’après ce qu’ils ont dit et la manière dont la production s’est déroulée, je ne pense pas qu’ils savaient qu’ils réalisaient un chef-d’œuvre absolu, qui deviendrait emblématique et resterait aussi remarquable jusqu’à aujourd’hui.
En réalité, il s’agit plutôt de distinguer les bonnes idées des mauvaises, ce qui est également difficile puisque c’est vous qui avez cette idée… Mais comme pour tout le reste, je pense que cela repose largement sur l’expérience. Plus vous exercez ces facultés, plus il devient facile de reconnaître une bonne idée d’une mauvaise. Pour moi, l’une des meilleures méthodes consiste à présenter ces idées à quelqu’un en personne, simplement à les dire à voix haute. Même avant d’entendre sa réaction (un peu comme lorsqu’on montre son montage à quelqu’un), vous commencez à les voir différemment. Lorsque vous exposez votre idée à voix haute, vous réalisez ce qui lui manque. Vous voyez les problèmes de logique, les passages un peu ennuyeux, ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas. Cela m’aide vraiment à déterminer où se trouve une bonne idée et où se trouve une mauvaise…
Obtenir ces retours est vraiment essentiel – et, bien sûr, il faut suivre les projets qui vous passionnent, car l’idée et la manière dont vous l’exprimez aujourd’hui ne sont peut-être pas encore formidables, mais il y a quelque chose. Il y a une petite étincelle, quelque chose de vraiment intéressant, qui vous a marqué et qui vous passionne – continuez simplement à la poursuivre. Si vous n’arrivez pas à vous sortir quelque chose de la tête, cela vaut probablement la peine de continuer à l’explorer. Souvent, un diamant se cache sous tout ce charbon : il vous suffit de le dégager, ce qui demande beaucoup d’essais et d’erreurs.
Pourquoi vous tournez-vous vers l’action et la science-fiction pour vos courts métrages ? Pensez-vous que ces styles conviennent particulièrement à ce format ?
Je ne réfléchis pas vraiment en termes de genre lorsque j’imagine une idée ou une histoire. Il s’agit généralement de quelque chose qui naît d’un personnage, d’un moment, d’un concept précis ou d’un thème, puis tout évolue à partir de là. Le point de départ de l’idée est différent à chaque fois, mais c’est cette idée et cette histoire qui déterminent son genre.
Pour moi, c’est le projet lui-même qui détermine le genre, et non l’inverse. Je ne pense pas qu’un genre en particulier soit plus adapté au format court. En revanche, si vous essayez de créer une preuve de concept pour votre premier long métrage, certains genres offrent naturellement des voies d’accès plus directes ou plus faciles à cet univers lorsque l’on débute comme réalisateur, comme l’horreur. Mais à part cela, le genre ne dicte jamais vraiment le projet. La seule fois où il l’a fait, c’était lorsque j’essayais d’acquérir de l’expérience dans un domaine précis… puisque, au bout du compte, l’objectif final est le long métrage.
Les inscriptions à My RØDE Reel sont ouvertes et se terminent le mercredi 7 octobre, alors à vos caméras ! Rendez-vous sur myrodereel.com pour en savoir plus et télécharger votre pack de démarrage