Released 16 Feb 2016, Last Updated 08 Apr 2022
En el mundo de la grabación de sonido, cada tema y escenario presenta nuevos desafíos, lo que significa que los equipos de producción a menudo deben adaptar su técnica y enfoque para obtener los mejores resultados. Grabar música presenta un conjunto diferente de requisitos, especialmente cuando el género es clásico, y hay innumerables matices que se deben intentar capturar.
Grabar un cuarteto de cuerdas de una manera en la que cada instrumento pueda brillar sin opacar al resto del grupo requiere un cuidado meticuloso y una configuración detallada de los equipos de grabación. Aquí analizamos lo que debes considerar.
Un cuarteto de cuerdas está compuesto por un conjunto de dos violinistas, un violonchelista y un violista. Se considera que el primer compositor que realmente escribió para este tipo de conjunto fue Joseph Haydn, quien ayudó a consolidar el lugar del cuarteto de cuerdas en el mundo de la música de cámara.
Un cuarteto de cuerdas generalmente se dispone en un semicírculo, con los dos violines a la izquierda, seguidos por la viola y el violonchelo en el extremo opuesto. Tradicionalmente, el primer violín toca la melodía en el registro más alto, mientras que el otro violín se encarga de la armonía en el registro más bajo.
Aunque la viola y el segundo violín tendrán su oportunidad de destacarse como solistas, generalmente el primer violín y el violonchelo llevan la delantera. Sin embargo, en lugar de que un solo músico se destaque, un cuarteto debe tener una conexión instintiva entre sus miembros para tocar como un solo conjunto.
"En otro tipo de música, las personas simplemente se reúnen y tocan juntas, pero en un cuarteto de cuerdas, como en cualquier conjunto, tienen que convertirse en un solo organismo", comentó el Profesor Alan Wing, de la Universidad de Birmingham. "Es impresionante".
Para capturar el sonido completo de un cuarteto de cuerdas, hay varios aspectos a considerar. Como el cuarteto generalmente está tan cerca uno del otro, lograr una buena localización estéreo puede ser difícil sin estar muy cerca.
Para combatir esto, John Eargle, en su 'Manual de Ingeniería de Grabación', recomienda pedir a los músicos que se espacien más, posicionando una configuración de micrófonos coincidentes (X/Y) aproximadamente a 2.5-3 metros del suelo.
Dependiendo de la situación y el entorno donde estés grabando, tu elección de patrón polar de micrófono puede influir en las cualidades sonoras distintivas del conjunto. Por ejemplo, un par de micrófonos de estudio figura ocho, como el RØDE NT2-A (que tiene un patrón polar variable) podría proporcionar una mejor sensación de espacio, así como incluir algo del ruido ambiental para un sonido más natural.
Alternativamente, puedes optar por un micrófono de cinta como el RØDE NTR, aprovechando cualquier reducción en las frecuencias altas para realmente crear una sensación de espacio y distancia, mientras que el bajo ruido captura el sonido con mayor detalle.
Otra opción es utilizar micrófonos cardioides, como el RØDE M5. Un micrófono compacto de cápsula de media pulgada, el M5 produce bajo ruido mientras ofrece una respuesta de frecuencia completa. Este condensador polarizado permanente ofrece un rendimiento premium tanto en grabaciones en vivo como en estudio. El M5 viene en un par emparejado, seleccionado con el máximo cuidado para asegurar que no haya más de 1 decibelio de variación en sensibilidad entre los micrófonos, ideal para una configuración de microfonía estéreo X/Y.
Para una configuración sencilla, recomendamos el RØDE Stereo Bar, que te permite asegurar los micrófonos uno encima del otro en un ángulo recto para que el sonido llegue a ambas cápsulas simultáneamente. Esto ayuda a prevenir problemas de fase y compatibilidad mono más adelante.