Grabando un Cuarteto de Cuerda
En el mundo de la grabación de sonido, cada sujeto y escenario plantea nuevos desafíos, lo que significa que los equipos de producción a menudo tendrán que adaptar su técnica y enfoque para obtener los mejores resultados. Grabar música presenta un conjunto diferente de requisitos, especialmente en el género clásico, y hay una multitud de matices que intentar capturar.
Grabar un cuarteto de cuerda de manera que cada instrumento pueda brillar sin opacar al resto del grupo requiere una cuidadosa reflexión y una meticulosa configuración de su equipo de grabación. Aquí analizamos lo que debe considerar.
Entendiendo los cuartetos de cuerda
Un cuarteto de cuerda está compuesto por un conjunto de dos violinistas, un violonchelista y un violista. Se considera que el primer compositor que realmente escribió para este tipo de conjunto fue Joseph Haydn, quien ayudó a consolidar el lugar del cuarteto de cuerda en el mundo de la música de cámara.
Un cuarteto de cuerda generalmente se dispondrá en un semicírculo, con los dos violines a la izquierda, seguidos por la viola y el violonchelo en el extremo opuesto. El primer violín tradicionalmente tocará la melodía en el registro más alto, mientras que el otro violín será responsable de la armonía en el registro más bajo.
Si bien la viola y el segundo violín tendrán su oportunidad de destacar como solistas, generalmente el primer violín y el violonchelo toman la delantera. Sin embargo, en lugar de que un solo intérprete ocupe el centro de atención, un cuarteto debe tener una conexión instintiva entre sí para tocar como un solo conjunto.
"En otra música, la gente simplemente viene y toca junta, pero en un cuarteto de cuerda, como en cualquier conjunto, deben convertirse en un organismo único," comentó el profesor Alan Wing, de la Universidad de Birmingham. "Es notable."
Microfoneando un cuarteto de cuerda
Para capturar el sonido completo de un cuarteto de cuerda, hay varias cosas a considerar. Dado que el cuarteto generalmente está tan cerca uno del otro, la captación con buena localización estéreo puede ser difícil de lograr sin estar muy cerca.
Para combatir esto, John Eargle, en su 'Manual de Ingeniería de Grabación', recomienda pedir a los músicos que se separen más, posicionando una configuración de micrófono coincidente (X/Y) aproximadamente a 2.5-3 metros del suelo.
Dependiendo de la situación y el entorno donde esté grabando, su elección de patrón polar de micrófono puede influir en las cualidades sonoras distintivas del conjunto. Por ejemplo, un par de micrófonos de estudio de figura ocho como el RØDE NT2-A (que tiene un patrón polar variable) podría proporcionar una mejor sensación de espacio, así como incluir algo del ruido atmosférico para un sonido más natural.
Alternativamente, puede recurrir a un micrófono de cinta como el RØDE NTR - aprovechando cualquier atenuación de altas frecuencias para crear verdaderamente una sensación de espacio y distancia, mientras que el bajo ruido captura el sonido con mayor detalle.
Otra opción es usar micrófonos cardioides, como el RØDE M5. Un micrófono compacto de cápsula de media pulgada, el M5 produce bajo ruido mientras ofrece una respuesta de frecuencia completa. Este condensador polarizado permanente ofrece un rendimiento premium tanto en grabaciones en vivo como en estudio. El M5 viene en un par emparejado, seleccionado con el máximo cuidado para asegurar no más de 1 decibelio de variación en sensibilidad entre los micrófonos, ideal para una configuración de microfonía estéreo X/Y.
Para una configuración fácil, recomendamos el RØDE Stereo Bar, que le permite asegurar los micrófonos uno encima del otro en un ángulo recto para que el sonido llegue a ambas cápsulas simultáneamente. Esto ayuda a prevenir problemas de fase y compatibilidad mono más adelante.