Gravando um Quarteto de Cordas
No mundo da gravação de som, cada assunto e cenário apresenta novos desafios, o que significa que as equipes de produção muitas vezes terão que adaptar sua técnica e abordagem para obter os melhores resultados. Gravar música apresenta um conjunto diferente de requisitos, especialmente quando o gênero é clássico, e há inúmeras nuances a serem capturadas.
Gravar um quarteto de cordas de uma maneira em que cada instrumento possa brilhar sem sobrecarregar o restante do grupo requer um pensamento cuidadoso e uma configuração meticulosa do seu equipamento de gravação. Aqui, analisamos o que você deve considerar.
Entendendo os quartetos de cordas
Um quarteto de cordas é composto por um conjunto de dois violinistas, um violoncelista e um violista. O primeiro compositor a realmente escrever para esse tipo de conjunto foi considerado Joseph Haydn, que ajudou a consolidar o lugar do quarteto de cordas no mundo da música de câmara.
Um quarteto de cordas geralmente é disposto em um semicírculo, com os dois violinos à esquerda, seguidos pela viola e o violoncelo na extremidade oposta. O primeiro violino tradicionalmente toca a melodia na região mais alta, enquanto o outro violino é responsável pela harmonia na região mais baixa.
Embora a viola e o segundo violino tenham suas oportunidades de se destacar como solistas, geralmente o primeiro violino e o violoncelo assumem a liderança. No entanto, em vez de um único músico ocupar o centro das atenções, um quarteto deve ter uma conexão instintiva entre si para tocar como um único conjunto.
"Em algumas outras músicas, as pessoas simplesmente vêm e tocam juntas, mas em um quarteto de cordas, como em qualquer conjunto, é preciso se tornar um organismo único", comentou o Professor Alan Wing, da Universidade de Birmingham. "É notável."
Microfonando um quarteto de cordas
Para capturar o som encorpado de um quarteto de cordas, há várias coisas a considerar. Como o quarteto geralmente está muito próximo um do outro, a captação com boa localização estéreo pode ser difícil de alcançar sem estar muito perto.
Para combater isso, John Eargle, em seu 'Manual de Engenharia de Gravação', recomenda pedir aos músicos que se espalhem mais, posicionando uma configuração de microfone coincidente (X/Y) a aproximadamente 2,5-3 metros do chão.
Dependendo da situação e do ambiente onde você está gravando, sua escolha de padrão polar do microfone pode influenciar as qualidades sonoras distintas do conjunto. Por exemplo, um par de microfones de estúdio em figura oito, como o RØDE NT2-A (que possui um padrão polar variável) pode proporcionar uma melhor sensação de espaço, além de incluir um pouco do ruído atmosférico para um som mais natural.
Alternativamente, você pode optar por um microfone de fita como o RØDE NTR - aproveitando qualquer atenuação nas altas frequências para realmente criar uma sensação de espaço e distância, enquanto o baixo ruído captura o som em maior detalhe.
Outra opção é usar microfones cardioides, como o RØDE M5. Um microfone compacto com cápsula de meia polegada, o M5 produz baixo ruído enquanto oferece uma resposta de frequência completa. Este condensador polarizado permanentemente oferece desempenho premium tanto em gravações ao vivo quanto em estúdio. O M5 vem em um par combinado, selecionado com o máximo cuidado para garantir não mais do que 1 decibel de variação na sensibilidade entre os microfones - ideal para uma configuração de microfonia estéreo X/Y.
Para uma configuração fácil, recomendamos o RØDE Stereo Bar, que permite que você fixe os microfones um em cima do outro em um ângulo reto, de modo que o som chegue a ambas as cápsulas simultaneamente. Isso ajuda a evitar problemas de fase e compatibilidade mono mais tarde.